Feliz Natal (o filme revisto)

Assisti a "Feliz Natal", longa de estréia de Selton Mello na direção, no I Festival Pauínia de Cinema, em julho de 2008. O clima era de festa, era a estréia no filme, com presença do próprio Selton Mello e um verdadeiro exército de pessoas da equipe, entre elenco, produtores e equipe técnica. O ambiente sem dúvida colaborou para que o filme não fosse visto de forma mais focada, de modo que resolvi revê-lo agora, quase seis meses depois, em uma sessão "comum" de cinema. O resultado é que "Feliz Natal" é, sem sombra de dúvida, um filme extremamente poderoso.

Não é um filme fácil. O tema é pesado e a direção, sim, é "exagerada" por parte de Selton Mello. Mas tudo isso é proposital: este é um filme de excessos, sobre uma época de excessos. Uma época que deveria ser de paz e de harmonia mas que, em alguns casos, acabam levando situações comuns ao limite. Picuinhas familiares, problemas entre pais e filhos, segredos escondidos, bebidas, drogas...tudo o que pode ser considerado "aceitável" durante o ano acaba se revelando um problema durante o estresse das festas de final de ano. Considere o caso de Caio (Leonardo Medeiros, perfeito), um homem que leva uma vida simples no interior, cuidando de um ferro velho, que decide enfrentar os próprios demônios e vai à cidade grande (um Rio de Janeiro quase irreconhecível) participar da ceia de natal da família. E que família. A mãe, Mércia (Darlene Glória, em interpretação no limite), é uma senhora viciada em remédios e bebida, que foi abandonada pelo marido Miguel (o grande Lúcio Mauro), que a trocou por uma garota com idade suficiente para ser sua neta. A cunhada Fabiana (Graziella Moretto), claramente não aguenta mais os escândalos da sogra nem o comodismo do marido Theo (Paulo Guarnieri). Caio é recebido na casa pelo sobrinho Bruno (o garoto Fabrício Reis, que rouba as cenas), com quem tem talvez o único diálogo completo do filme. A partir de sua entrada na festa de natal, ele é jogado em um turbilhão de recriminações veladas do irmão, olhares fuzilantes por parte do pai, um amor estranhamente físico da mãe e insinuações por parte da cunhada.

Tudo isso filmado por Selton Mello, com seu diretor de fotografia Lula Carvalho, com a câmera por vezes a centímetros do rosto dos atores, capturando cada olhar, cada respiração. O estilo pode saturar, mas há alguns planos magistrais. Leonardo Medeiros entra no banheiro, por exemplo, para lavar o rosto sulcado por lágrimas de desespero, quando a cunhada entra e fecha a porta. No plano, vemos apenas o rosto de Graziella Moretto, à direita, olhando para Caio, visto no reflexo sujo de um espelho cheio de texturas, no lado esquerdo. O que ela veio fazer ali? Veio trazer consolo? É um flerte? Caio não espera para descobrir e cruza a tela, saindo pela direita, invertendo o eixo; agora, o rosto de Moretto está à esquerda. Um pouco depois, há um longo plano seqüência que começa com um despedida entre Caio e sua mãe, que o empurra e o expulsa da casa. Ela então começa a descer as escadas da casa e a câmera vai atrás. Sem cortes, segue-se uma discussão entre Mércia e o marido; em seguida, Mércia vai até a sala e começa a atrapalhar a festa de natal, o que atrai a nora que, impaciente, praticamente a arrasta para fora da sala de volta à escadaria. O plano dura perto de dez minutos e envolve quatro situações/diálogos em seguida, sem cortes, no estilo documental de Lula Carvalho.

Mas não é pela técnica apenas que o filme é poderoso. A trama, complicada, fica realmente mais clara quando se revê o filme. O personagem de Leonardo Medeiros, Caio, está de volta à cidade não só para tentar se acertar com a família, mas para rever os amigos e enfrentar um trauma em seu passado: ele foi responsável por um grave acidente que causou a morte de uma moça. Acompanhamos sua visita a um cemitério em pleno dia de Natal (onde é recepcionado por um senhor bondoso que, irônico, diz que seu apelido é "Zé do Caixão"), para procurar o túmulo dela. Ele também visita o local do acidente e, em uma seqüência muito interessante, vemos o que realmente aconteceu. É a segunda de duas cenas em que a câmera sai do chão e, com o auxílio de uma grua, assiste tudo do alto.

Há uma cena de nudez de Graziella Moretto que, por causa de um protesto do companheiro e ator Pedro Cardoso, trouxe polêmica, mas a cena é simples, bela e nada gratuita. Fabiana, cansada dos problemas com a sogra e com o marido, está pensando em se separar. Sozinha, à noite, depois que todos já foram dormir, ela olha para o próprio corpo, nu, diante de um espelho, como que imaginando se ainda está em condições de tentar uma nova vida. O roteiro (de Selton Mello e Marcello Vindicatto) é implacável, e ainda reserva uma tragédia para o final. Quando vi o filme pela primeira vez, em Paulínia, achei o final exagerado e desnecessário. Estava enganado. É um final cruel, sem dúvida, mas, repito, condizente com o excesso presente em todo o filme.

"Feliz Natal" foi acusado de ser pretensioso e pesado demais. É pretensioso sim, mas por que não o seria? Selton Mello poderia facilmente ter feito uma comédia romântica, se aproveitado do próprio sucesso e trilhado o caminho mais fácil. Preferiu seguir por um caminho mais artístico e muito mais arriscado, mergulhando de cabeça no que há de pior no ser humano. Exagerado, sim, mas coerente. Ironicamente, o plano final é de uma paz e de uma simplicidade extremas. Por trás de uma cortina, vemos o retrato do que pode ser chamado de "felicidade".

Sete Vidas

"Deus criou o mundo em sete dias", diz Ben Thomas (Will Smith), "eu destrui o meu em sete segundos". Esta é uma das várias informações que o espectador recebe nos primeiros minutos de "Sete Vidas" (Seven Pounds, 2008), a mais nova colaboração entre o astro Will Smith e o diretor Gabriele Muchino. Os dois trabalharam juntos no bem sucedido "À Procura da Felicidade", e aqui retomam a parceria. O filme, deliberadamente lento, vai nos apresentando informações e situações que, perplexos, tentamos entender. Ben Thomas é visto em cenas aparentemente desconexas. Ele é cruel com um operador de telemarketing cego em uma cena para, em seguida, ser gentil e atencioso com uma senhora que está sendo maltratada em uma casa de repouso. Ele é visto como o diretor de uma empresa de engenharia aeronáutica, feliz, casado e bem sucedido, dirigindo um carro esporte. Em outra cena, ele se apresenta como um fiscal do imposto de renda. Ele encontra uma bela moça chamada Emily Posa (Rosario Dawson), que sofre de problemas cardíacos. Thomas diz que ela está passando por uma auditoria (o chamado "pente fino" do imposto de renda). Mas ele não age como um fiscal comum. Ele a visita no hospital, inconsciente; ele a segue pelos corredores; ele se oferece para levar o cachorro dela para passear. Por fim, ele lhe diz que ela terá uma "trégua" do imposto de renda por mais seis meses, livre de multa.

Quem é Ben Thomas, afinal? Algum tipo de "anjo" disfarçado? É alguém tentando simplesmente ajudar? Ele teria motivos ocultos? Há um ditado americano que diz que só há duas coisas certas na vida: a morte e os impostos. Ben Thomas parece, em alguns momentos, a personificação de ambos. "Sete Vidas" faz parte daquele gênero de filme destinado a fazer o espectador se emocionar. Há um bocado de gente passando por dificuldades, doente ou realmente morrendo, como é o caso de Emily. Grande parte da força do filme está no elenco. Will Smith é o tipo de astro que, se nem sempre chega a ser um grande ator, sem dúvida tem um carisma imenso. E Rosário Dawson está muito bem no filme. Dona de um corpo invejável, ela geralmente aparece em outro tipo de papel. Neste filme ela parece realmente frágil, como se qualquer esforço pudesse fazer seu coração parar de bater. E quando ela, naturalmente, acaba por se apaixonar por Will Smith, há algo de genuíno na relação entre os dois (ela, interessada; ele, reservado e assustado).

Mas o filme não é livre de percalços. Os enigmas da trama, que no início a deixavam interessante, com o passar do tempo (que é longo) começam a se tornar um problema. Sim, o espectador já entendeu que Smith sofreu algum tipo de trauma no passado, por que demorar tanto para revelar o que está acontecendo? A trilha sonora new age (de Angelo Milli) é onipresente a ponto de ser cansativa (embora haja um momento muito interessante, em que o piano propositalmente toca as notas erradas, representando o problema cardíaco de Emily). E o final, francamente, não faz muito sentido. Sim, a "mensagem" pode ser edificante, mas os métodos, além de não serem muito verossíveis, chegam a ser moralmente questionáveis. Para complicar, como o filme é destinado ao público americano médio (que precisa de tudo mastigado), há ainda uns dez minutos além do final para que se tente explicar tudo nos mínimos detalhes. O final, se explica algumas coisas, deixa outras questões em aberto. Com o cuidado para não revelar muitos detalhes, mas a pergunta que fica é como seria possível a Ben Thomas organizar tudo daquela maneira? Saber a quem se destinaria realmente cada "presente"? Não haveria outras maneiras de se "fazer o bem"?

Assim, como mensagem, o filme tem pontos válidos. Mas não se pode raciocinar muito.

O Castelo de Cagliostro

Este é o primeiro longa-metragem dirigido por Hayao Miyazaki, o mestre japonês da animação. O DVD foi lançado no Brasil (coisa rara para um longa de Miyazaki) este ano pela Focus Filmes. Miyazaki se tornou mais conhecido no ocidente depois que ganhou o Oscar de Melhor Animação com "A viagem de Chihiro" (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001), mas já era cultuado no Japão e mundo afora há anos. "Cagliostro" já mostra algumas características que seriam vistas depois em seus longas metragens no Estúdio Ghibli.

O roteiro acompanha um ladrão boa pinta chamado Lupin III (Lupin Terceiro, ou Lupin Neto) que salva a vida de uma princesa, apenas para vê-la ser seqüestrada novamente por vilões não identificados. Na fuga, a princesa deixa para trás um misterioso anel. Lupin e um companheiro de aventuras vão até o país de Cagliostro atrás da origem de umas notas falsificadas e para tentar salvar a princesa. A trama é complicada e envolve um conde falsário, uma espiã que pode ser tanto aliada quanto inimiga de Lupin, um personagem misterioso que parece um samurai e vários guardas com garras mortais. O personagem Arséne Lupin foi criado por Maurice Leblanc no início do século XX, sendo contemporâneo do Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle. O que um personagem francês do início do século XX está fazendo em um filme animado japonês feito em 1979?

A animação japonesa (e a cultura japonesa em geral, na verdade) tem a característica de se apropriar da cultura estrangeira, lhe dar uma roupagem nova, bem japonesa, e colocar de volta no mundo. É frequente a influência européia nas animações de Hayao Miyazaki; mesmo que, no fundo, elas permaneçam inequivocadamente japonesas. Em "Láputa, Castelo no Céu" (Tenkuu no Shiro Laputa, 1986), por exemplo, Miyazaki pegou "emprestada" a cidade flutuante de "Láputa", criada por Jonathan Swift em "As Viagens de Gulliver", para criar sua própria cidade aérea. O personagem principal de "O Castelo de Cagliostro", Lupin Terceiro, foi protagonista de duas séries animadas da televisão japonesa (a primeira co-dirigida pelo próprio Miyazaki em 1971) e um longa metragem. A influência de Miyazaki pode ser notada em vários momentos do filme. Seu amor por máquinas (principalmente máquinas voadoras) pode ser visto no helicóptero que o vilão usa para chegar ao castelo. As engrenagens do relógio da torre também lembram muito o estilo que Miyazaki usaria em "Láputa" ou "Naushika" ("Naushika do Vale do Vento" é a obra prima de Hayao Miyazaki, produzido em 1984). Há uma longa seqüência de perseguição entre estas engrenagens que é sem dúvida um feito para a animação da época, toda feita à mão e sem o uso de computadores. O DVD contém uma entrevista muito interessante com o diretor de animação do filme, Yasuo Ohtsuka. Ele conta que o filme foi produzido em apenas quatro meses e meio, com os animadores trabalhando dia e noite. Ele diz que hoje isso seria impossível, pois é tudo muito mais "fácil" e "rico". Ohtsuka diz que da "pobreza" se tira muito mais criatividade.

Hoje em dia, felizmente, é relativamente fácil encontrar os filmes de Hayao Miyazaki. A internet é boa fonte para os interessados (é possível inclusive baixar os filmes com legendas feitas por fãs). Tive contato com os filmes de Miyazaki nos anos 90, na biblioteca da Fundação Japão, em São Paulo, onde assistia avidamente às fitas VHS, sem legendas ou tradução. Oficialmente é possível adquirir os DVDs de "A Viagem de Chihiro", "O Castelo Animado" e este "O Castelo de Cagliostro". A Disney detém os direitos de distribuição mundial dos outros filmes do Estúdio Ghibli. Há quem diga que o estúdio americano não está muito interessado na divulgação destes filmes. Para quem não conhece o trabalho de Miyazaki ainda, "Cagliostro" (muito mais leve que Chihiro, por exemplo) pode ser uma boa porta de entrada.

Boas festas...

Ou o que se pode fazer com uma câmera digital...uma decoração de Natal e tempo sobrando...

Na natureza selvagem

Em 1990, o jovem Christopher McCandless (Emile Hirsch), recém graduado, aluno brilhante e de família de classe média alta americana, resolveu abandonar tudo e partir. Ele doou os 24 mil dólares que tinha em seu fundo universitário para a caridade e trocou a chance de estudar direito em Harvard pelo vento das estradas. Não era uma simples aventura. Era mais um suicídio cultural. Ou, quem sabe, um renascimento.

O ator e diretor Sean Penn queria realizar este projeto há mais de dez anos, mas só em 2007 conseguiu a autorização dos pais do verdadeiro Christopher McCandless. "Into the Wild" já havia se tornado um livro escrito por John Krakauer, no qual Sean Penn se baseou para escrever e dirigir o roteiro do filme. Há algo de "messiânico" na aventura de McCandless, e a brilhante interpretação de Emile Hirsch reforça isso. Hirsch, que já interpretou jovens ricos americanos em filmes como "O Clube do Imperador" e "Um Show de Vizinha", tem neste filme um constante brilho no olhar e uma entrega total ao personagem conforme ele se aventura Estados Unidos adentro. Com uma vaga idéia de querer chegar ao Alasca, Christopher vai cruzando o país e fazendo trabalhos temporários, como em uma fazenda ou em lanchonetes fast food. Encontrando o Rio Colorado, no Arizona, ele vai em sentido contrário ao Alasca e desce, em um simples caiaque, até o México. Ao voltar para a cidade grande, não consegue ficar nem uma noite e parte novamente em sua jornada para o norte.

É um filme de grandes paisagens, quase um documentário da vida selvagem americana. Mas há lugar também para os personagens que o rapaz encontra pelo caminho. Como um casal de "hippies" interpretados por Catherine Keener e Brian Dierker, com quem ele estabelece uma relação de pais e filhos. Há a jovem e bela Tracy (Kristen Stewart), que se apaixona por ele mas não consegue impedi-lo de partir novamente para o norte. Há Wayne (Vince Vaughn, em ótima participação), trabalhador da fazenda com quem estabelece uma forte amizade. E o velho Ron (o veterano Hal Holbrook, indicado ao Oscar pelo papel), um velho conservador que se apega ao rapaz e o ajuda.

A viagem é contada a partir do seu ponto final, na paisagem gelada do Alasca. No meio do nada, Christopher encontra um estranho marco da civilização: um ônibus abandonado, que já havia servido de abrigo para alguém no passado. O rapaz toma posse do lugar e passa a viver da caça e pesca. Flashbacks nos contam sua história pregressa, antes de chegar até lá. O filme é muito bem dirigido por Sean Penn, que lhe dá um ar nostálgico que lembra muito os anos sessenta. Destaque também para as canções originais compostas por Eddie Vedder (do Pearl Jam), que complementam e auxiliam o roteiro. O final mostra que tudo na vida tem seu preço, mesmo a "liberdade absoluta" buscada por McCandless. E ele também acaba por descobrir que a felicidade só é real quando compartilhada.

Rede de Mentiras

O que leva um diretor como Ridley Scott a fazer um filme como “Rede de mentiras”? Scott é um diretor eclético, tendo dirigido desde ficções científica cultuadas como o primeiro “Aliens” e o clássico “Blade Runner” até épicos como “Gladiador” e “1492”. Mas, de vez em quando, ele embarca em bobagens militares como “Falcão Negro em Perigo” ou este “Rede de Mentiras”. Não que o filme seja um desastre completo. Scott tem bom olho para enquadramentos e um grande senso estético, sendo sem dúvida competente no visual e na técnica cinematográficas. Mas “Rede de Mentiras”, além de ser um amontoado de clichês comuns a vários filmes de guerra e espionagem, tem também paralelos curiosos com outro filme de espionagem chamado “Jogos de Espiões”, dirigido pelo irmão mais novo (e menos talentoso) de Ridley, chamado Tony Scott (de “Top Gun, Ases Indomáveis”).

Em “Jogos de Espiões”, tínhamos um veterano da CIA (interpretado por Robert Redford) que era comandante e “mentor” de um jovem agente (interpretado por Brad Pitt), que era quem ia a campo realizar suas missões. Em “Rede de Mentiras”, também temos um veterano chamado Ed Hoffman (Russell Crowe, sempre camaleão, gordo e envelhecido para o papel) que, de seu posto nos Estados Unidos, supervisiona as operações de um jovem agente chamado Ferris (Leonardo DiCaprio) em missão no Iraque. Em “Jogos de Espiões” o personagem de Brad Pitt se envolvia com uma enfermeira que trabalhava com refugiados de guerra. Em “Rede de Mentiras”, DiCaprio se envolve com a enfermeira de um hospital em Amã, Jordânia, que lhe trata dos ferimentos após ter sido atacado por cães raivosos. A única diferença é que enquanto em “Jogos de Espiões” havia uma camaradagem e amizade entre o velho e o novo espião, em “Rede de Mentiras” há uma estranha relação de amor e ódio entre Ed Hoffman e Ferris. Os dois mantém contato telefônico (que maravilha de conexão têm seus celulares) entre os EUA e o Oriente Médio. Russell Crowe é geralmente visto como um “homem de família”, sempre levando os filhos à escola ou os acompanhando em atividades esportivas enquanto, pelo celular, comanda assassinatos e estratégias do outro lado do Globo. DiCaprio é o “herói” do filme mas, nesses tempos em que a popularidade dos EUA no mundo está em baixa, seu personagem é também um frio assassino e explorador de possíveis fontes de informação.

O filme, no entanto, não se sustenta. O espectador fica sentado por mais de duas horas vendo seqüência após seqüência espetacular de perseguições, explosões de bombas e imagens de satélite enquanto é jogado de um canto a outro do Oriente Médio. “Rede de Mentiras” fica melhor quando acalma um pouco em suas passagens na Jordânia. DiCaprio se aproxima de um líder chamado Hani (Mark Strong) que é possivelmente o melhor personagem do filme. Hani aceita fornecer ajuda da Jordânia à CIA, com uma condição: DiCaprio jamais pode mentir para ele. Claro que isso não vai acontecer. E há uma seqüência passada na casa da enfermeira Aisha (Golshifteh Farahani) que, por um momento, até traz alguma humanidade ao filme. Mas é tudo muito rápido. Logo estamos de volta às mesmas explosões e imagens tecnológicas de sempre. “Rede de Mentiras”, infelizmente, acaba se revelando um desperdício para os talentos de Crowe, DiCaprio e Ridley Scott.

Um Crime de Mestre (2007)

Filme mediano de suspense elevado a "algo mais" pela produção e elenco, "Um Crime de Mestre" é boa pedida em DVD. Dirigido por Gregory Hoblit e produzido pela New Line Cinema, "Fracture" (no título original) tem Anthony Hopkins como Ted Crawford, um homem extremamente inteligente e manipulador que descobre que está sendo traído pela esposa. Ele a espera chegar em casa, conversa educadamente com ela, fala sobre o caso e, sem mais delongas, lhe dá um tiro na cabeça. A polícia é chamada e o leva para a delegacia, onde ele assina uma confissão de tentativa de assassinato (a esposa, gravemente ferida, é internada em estado de coma e mantida viva por aparelhos).

Parece um caso simples para um jovem e ambicioso promotor chamado Willy Beachum (Ryan Gosling), que está de mudança marcada para um emprego muito melhor em uma empresa privada. Mas conforme a polícia investiga, ele percebe que não será tão fácil condenar Crowford. A arma encontrada no local do crime não combina com a balística. A confissão assinada na delegacia não pode ser aceita no tribunal depois que uma nova descoberta põe tudo a perder: o policial que prendeu Crowford teria tido um caso com a vítima, o que invalida a confissão. A arma do crime não é encontrada em parte alguma e o desprepado de Beachum, o promotor, por achar que o caso era tão fácil, podem acabar levando o réu a ser libertado.

Anthony Hopkins, claro, é a estrela do filme. Eternizado no papel do assassino em série Hannibal Lecter em "O Silêncio dos Inocentes", ele está à vontade novamente como um criminoso inteligente e educado. Mas não é apenas uma repetição de Lecter; reparem nos detalhes e nuances que Hopkins trás ao personagem nas suas cenas de tribunal, ou em suas conversas com Beachum. Também no elenco, em um papel secundário, está o ótimo David Strathairn (de Boa Noite, e Boa Sorte), como o chefe de Ryan Gosling (que faz o possível ao contracenar com atores como estes). A bela fotografia de Kramer Morgenthau dá ao filme tons dourados e um ar de cinema "noir" moderno. O roteiro, quando tudo se esclarece, não se sustenta. Mas o filme, enquanto se desenrola, faz um bom trabalho em deixar o espectador interessado na resolução do caso e em imaginar o que teria acontecido.

Queime depois de ler

"Onde os fracos não têm vez", filme anterior dos irmãos Coen, foi muito elogiado pela crítica e até levou o Oscar de Melhor Filme mas, é fato, não foi nenhum sucesso de público. O estilo lento e principalmente o final em aberto deixou muita gente confusa (ou brava mesmo) com os dois irmãos mais criativos do cinema americano. Pois bem, eles agora retornam com um filme cheio de astros e um estilo bem mais leve e acessível. O que não significa que "Queime depois de ler" seja um filme "convencional". Joel e Etan Coen são famosos por seu estilo meticuloso, ritmo lento e diálogos bem escritos. Tudo está presente na nova produção da dupla, mas em doses menores. Adiciona-se uma boa dose de humor negro e temos esta comédia de erros que satiriza os filmes de espionagem e a paranóia americana.

John Malkovich é Osbourne Cox, um analista da CIA que, no início do filme, está sendo dispensado do trabalho. Um superior lhe diz que ele tem um problema com a bebida. "Vocè é mórmon! Para você todos têm problemas com a bebida!", retruca Cox. Ressentido e muito, muito bravo, Cox vai para casa e conta à eposa que se demitiu, e que pretende escrever um livro de "memórias". A esposa é Katie (Tilda Swinton... quem senão os irmãos Coen para imaginar um casal como John Malkovich e Tilda Swinton?), que está tendo um caso com Harry Pfarrer (George Clooney, se divertindo). Harry é supostamente um policial (nunca o vemos trabalhando) que, em 20 anos de serviço, nunca disparou uma arma. Ele é casado com uma escritora de livros infantis. Recapitulando: Cox (Malkovich) é casado com Katie (Swinton), que tem um caso com Harry (George Clooney), que é casado com uma escritora.

Em uma academia de ginástica, a instrutora Linda Litzke (Frances McDormand), está passando pela crise da meia idade. Ela quer se "reinventar" passando por uma série de cirurgia plásticas caras (que seu plano de saúde não cobre); ela tabém está tentando encontrar um companheiro em anúncios da internet. Ela trabalha com Chad (Brad Pitt), um personal trainer hiperativo que, um dia, está todo animado em frente ao computador: o faxineiro encontrou no vestiário um CD que, supostamente, contém informações sigilosas da CIA. Chad descobre que o dono do CD é um analista chamado Osbourne Cox (lembram-se?), e sugere a Linda que eles tentem trocar o CD por dinheiro.

Com esses personagens e ingredientes os Coen vão construindo um filme que, de início, nem é assim tão cômico mas que, aos poucos, vai se tornando cada vez mais absurdo e engraçado. Clooney e Tilda Swinton, vale notar, interpretaram juntos no drama "Conduta de Risco" (Michael Clayton, 2007), pelo qual Swinton ganhou o Oscar. Brad Pitt está muito engraçado, interpretando um rapaz não muito esperto e que acha que está dando um grande golpe ao chantagear um espião da CIA. E o que dizer de John Malkovich?

"Queime depois de ler" não é nenhuma obra prima, e está distante das tragicomédias anteriores dos Coen como "Barton Fink" e o estupendo "Fargo". Mas ainda é um filme acima da média.

Procedimento Operacional Padrão

Errol Morris tem um estilo único de documentário. Ele se especializou em capturar depoimentos em que o entrevistado olha diretamente para a câmera, através de um equipamento que ele idealizou e batizou de “Interrotron” (simplificando, o aparelho projeta uma imagem de Morris na frente da lente da câmera, que é para onde o entrevistado fica olhando). O resultado é que temos contato visual direto com os entrevistados, ao invés do padrão geralmente seguido na televisão e no cinema, em que o entrevistado fica sempre olhando para alguém fora de quadro, ao lado da câmera. Isso resulta em uma intimidade maior com o entrevistado e com o assunto. Após uma série de documentários e de programas de televisão, Morris venceu o Oscar em 2004 com o perturbador “A Névoa da Guerra” (The Fog of War), em que o entrevistado é Robert McNamara, considerado um dos “pais” da Guerra do Vietman.

Em “Procedimento Operacional Padrão” (Standard Operating Procedure), Morris investiga as famosas (e terríveis) fotos feitas pelos soldados americanos na Prisão de Abu Ghraib, Iraque. Elas revelam todo tipo de crueldade e desrespeito praticado por homens e mulheres americanos contra os presos iraquianos, como humilhação, tortura e até morte. Ou será que não? Os soldados mostrados nas fotos são os responsáveis pelos abusos mostrados? E se não foram eles, quem é que realmente praticou os atos de tortura mostrados nas fotos? O filme é apenas parcialmente bem sucedido em responder a estas questões. O documentário conta com depoimentos dos próprios soldados mostrados nas fotos mas, infelizmente, Morris parece preocupado demais com o visual do filme, em detrimento do assunto tratado. “Procedimento Operacional Padrão” conta com um visual extremamente estilizado e cheio de gráficos e recriações dos eventos narrados pelos personagens. A música de Danny Elfman emula com perfeição Philip Glass, colaborador habitual de Morris, com seus padrões repetitivos e constantes. Mas o que os entrevistados estão dizendo, afinal? Que ao posar sorrindo ao lado de um prisioneiro que foi torturado até a morte, eles estão isentos de culpa? Que empilhar prisioneiros nus em pirâmides humanas ou em posições sexuais é apenas uma forma de diversão? Uma das soldados, uma mulher chamada Lynndie England, aparece em uma foto segurando um prisioneiro com uma coleira. Em seu depoimento, no entanto, ela diz que se pode ver que a corda está frouxa, e que ela não estaria realmente puxando o prisioneiro. As fotos seriam, então, apenas “encenações” dos soldados. Um nome em especial é repetido com freqüência, um tal Sargento Graner (que não aparece no filme), que teria sido o “diretor” da maioria dessas encenações para a câmera.

Isso significa, então, que as torturas não foram reais? Não exatamente. Os prisioneiros mostrados nas fotos, assim alegam os soldados entrevistados, haviam sido torturados sim, não por eles, mas por agências do governo como a CIA e o FBI. Um soldado diz que era prática comum a CIA aparecer com um prisioneiro “fantasma”, que não deveria ser registrado oficialmente ou revelado para a Cruz Vermelha. No caso do prisioneiro morto que aparece em algumas das fotos, ele teria sido envolvido em sacos de gelo e deixado em um dos banheiros, com a porta trancada. Os soldados americanos, usando uma chave reserva, lá entraram e tiraram fotos como aquela em que Sabrina Harman aparece sorrindo e fazendo sinal de “positivo” com o polegar.

O assustador no documentário é a constatação de que, não fossem as tais fotos (encenadas ou não, “brincadeiras” ou não), as torturas de Abu Ghraib não seriam reveladas. Vivemos na chamada “Era da Informação” que, na verdade, é a “Era da Imagem”. Os soldados mostrados nas fotos (todos de patente relativamente baixa) foram punidos pelas torturas ou simplesmente por terem posado para as fotos? E o que acontecia quando não havia câmeras por perto?

Vicky Cristina Barcelona

Há algo de "almodovariano" no mais novo filme de Woody Allen. Quem sabe, talvez seja apenas um clichê, sentir a "presença" do diretor espanhol em um filme habitado por Penélope Cruz e Javier Barden. Allen continua em sua "fase européia", mudando o foco de seus filmes dos Estados Unidos (geralmente Manhattan) para fazer filmes na Inglaterra (como o ótimo "Machpoint" e o razoável "O Sonho de Cassandra") e, no caso deste, em Barcelona. "Vicky Cristina Barcelona" é também dos mais engraçados e divertidos dos últimos trabalhos de Woody Allen, e um de seus filmes mais "femininos".

Não deixa de ser engraçado também assistir a este filme um dia depois de ter visto "Romance", de Guel Arraes, em que a estrutura do amor romântico é esmiuçada no roteiro de Arraes e Jorge Furtado. Um dos alicerces da tragédia romântica, o triângulo amoroso, está por toda parte no filme de Woody Allen, embora de forma cômica. As americanas Vicky (Rebecca Hall) e Cristina (Scarlett Johansson) resolvem passar o verão em Barcelona na casa de uma amiga da familia. Vicky está fazendo um mestrado sobre "identidade catalã"; ela é centrada, decidida e está noiva de Doug (Chris Messina). Cristina está procurando por "alguma coisa". O narrador (a voz de um homem que não sabemos quem é) diz que ela passou um ano produzindo um filme de 12 minutos sobre o amor, e agora está procurando um novo rumo na vida. As duas estão jantando uma noite quando são interrompidas por um artista espanhol chamado Juan Antonio (Javier Barden), que tem uma proposta: ele gostaria que as duas fossem suas convidadas em um final de semana em uma cidade chamada Oviedo. O roteiro do passeio incluiria ver uma escultura, passear pela cidade e, se possível, sexo entre os três. Vicky, chocada com a ousadia, descarta a proposta imediatamente, mas Cristina resolve aceitar e os três partem para a aventura em um avião monomotor.

Este é o ponto de partida para uma série de complicações amorosas. Cristina, a mais "fácil" das duas, naturalmente planeja se relacionar com Juan Antonio assim que possível, mas uma úlcera a coloca de cama, sozinha, pelo final de semana. Isso abre espaço para que a personagem de Vicky se desenvolva. Interessante como, no mundo moderno, em que as noções de "romantismo" são tão vagas, e as mulheres têm muito mais liberdade para fazerem o que bem entendem, ainda se mantenha a noção de que o homem tenha que conquistá-la. Cristina, antes do ataque de úlcera, diz a Juan Antonio que irá ao quarto dele, mas ele terá de "seduzi-la". Vicky, por outro lado, tem noções muito mais concretas (ou assim ela acha) sobre o que ela quer da vida e do seu futuro marido, mas a doença de Cristina a "força" a passar o final de semana na companhia de Juan Antonio. Após passeios, uma inesperada visita ao pai dele e de uma apresentação de violão flamenco, no entanto, Vicky acaba cedendo aos encantos de Juan Antonio, e volta para Barcelona com suas convicções abaladas.

A trama se complica quando a ex-mulher de Juan Antonio, a "caliente" Maria Elena (Penélope Cruz) reaparece depois de uma tentativa de suicídio e volta para a casa dele, que já está morando com Cristina. O noivo de Vicky, para complicar, resolve se juntar a ela em Barcelona e propõe que os dois se casem lá mesmo, antes de voltarem para os Estados Unidos. Formam-se assim vários triângulos amorosos. Juan Antonio, Cristina e Maria Elena, que no início se odeiam, acabam formando uma relação à três. O outro triângulo é formado por Vicky, o noivo e, na imaginação de Vicky, por Juan Antonio, de quem ela não consegue se esquecer. Rebecca Hall faz um ótimo trabalho na criação de Vicky, que me pareceu a personagem mais plausível do filme. Há algo de genuíno em sua confusão entre a segurança possivelmente entediante representada pelo noivo e a aventura e paixão representados por Juan Antonio. Scarlett Johansson, no entanto, está me parecendo cada vez mais fraca como atriz. Não ajuda muito o fato de seu personagem ser uma pseudo-artista, uma pessoa em busca de algo que nem sabe o que é e que, a bem da verdade, soa um pouco fútil. Javier Barden e Penélope Cruz, especialmente, são perfeitos. A fotografia de Javier Aguirressarobe dá um tom quente e colorido a todo filme. Woody Allen escreve e dirige praticamente um filme por ano, para o bem e para o mal. "Vicky Cristina Barcelona" pode não ser uma obra prima, mas é dos melhores filmes de Allen dos últimos anos, e tem ido bem nas bilheterias.

Romance

Guel Arraes e Jorge Furtado são, possivelmente, os dois melhores roteiristas brasileiros hoje. Os dois tem a característica de saber misturar o popular com o erudito de forma inteligente e engraçada. Arraes vem de programas como a adaptação de "As Comédias da Vida Privada" para a televisão, do humorístico "TV Pirata" e da minissérie (também lançada como filme) "O Auto da Compadecida". Furtado é o roteirista/diretor do curta brasileiro mais premiado do cinema, "Ilha das Flores", e de longas como "O Homem que Copiava" e "Saneamento Básico". Agora os dois se juntaram para escrever o roteiro de "Romance", em que exploram a lenda romântica de "Tristão e Isolda" e a transferem para os dias atuais. O filme é dirigido por Guel Arraes.

Pedro (Wagner Moura) é um diretor de teatro apaixonado pelo seu ofício que está montando uma versão de Tristão e Isolda. Ele faz um teste com Ana (Letícia Sabatella), que ganha não só o papel como o coração de Pedro. Os dois se apaixonam no processo de ensaio, trocando diálogos que misturam suas frases com as dos personagens que estão interpretando, em um jogo metalinguistico típico dos roteiros de Jorge Furtado. Também típicas dele são as referências externas que, como hyperlinks, aparecem na tela na forma de animações. A bela fotografia (de Adriano Goldman) compõe planos atísticos que se mesclam citando quadros famosos, como "O Beijo", de Gustav Klimt, ou figuras medievais. Ana e Pedro se entregam a um amor ao mesmo tempo tradicional, cheio de romantismo e poesia, e físico. Letícia Sabatella, belíssima, está amadurecida e mais mulher em várias cenas de nudez com Wagner Moura. Tudo parce correr bem mas, como os próprios personagens comentam, no romance ocidental não há paixão sem dor ou sofrimento, e logo algo tem que dar errado. Os problemas começam quando um famoso produtor da televisão (José Wilker) vai assistir à peça e contrata Ana para fazer uma novela no Rio de Janeiro. Sua fama começa a atrair muitos espectadores para a peça, o que seria bom mas, ao mesmo tempo, causa ciúmes e sofrimento em Pedro, e os dois se separam.

Três anos depois, Ana é uma famosa artista da televisão e Pedro ainda é dedicado ao teatro. Os dois voltam a trabalhar juntos em uma adaptação de Tristão e Isolda para a TV, transposta para o nordeste brasileiro do século passado. É interessante ver como Arraes e Furtado brincam com os temas do sofrimento por amor e do triângulo amoroso presentes em Tristão e Isolda, que teria influenciado grandes partes das histórias de amor criadas desde o século XII (como "Romeu e Julieta", de Shakespeare, ou as lendas do Rei Arthur, traído por Guinevere e Lancelot). O filme é rico em situações e metalinguagens que misturam o teatro, a televisão e o próprio cinema. Há também uma ótima apropriação por parte do roteiro de outra peça famosa, "Cyrano de Bergerac", escrita por Edmond Rostand no final do século XIX. Na peça, Cyrano, um guerreiro feio e com um grande nariz, escrevia cartas apaixonadas para a bela Roxane. Só que, incapaz de declarar seu amor, Cyrano se escondia por trás do jovem Cristian, que acabava colhendo os frutos deste amor.

Em "Romance", a trama de Cyrano de Bergerac é resgatada pelo fato de que Pedro, ao escrever o roteiro de "Tristão e Isolda" para sua amada Ana, acaba vendo ela se apaixonar pelo ator que está interpretando Tristão, o sertanejo José de Arimatéia (Vladimir Brichta). Há mais sobre este personagem, mas prefiro não revelar aqui. O elenco ainda conta com Andréa Beltrão, muito bem como uma produtora que só pensa em audiência e sucesso, e com a participação especial de Marco Nanini, fazendo um ator cheio de manias e exigências. Como sugestão de referências, sugiro a versão de 1990 de "Cyrano de Bergerac", dirigida por Jean-Paul Rappeneau, com o grande Gérard Depardieu no papel principal. A lenda de Tristão e Isolda teve uma versão cinematográfica fraquinha realizada em 2006 por Kevin Reynolds. Mas o grande mestre do suspense Alfred Hitchcock se inspirou no mito para criar sua obra prima, o grande "Um Corpo que Cai" (Vertigo, 1958), em que James Stewart e Kim Novak vivem uma versão moderna e tortuosa do romance tradicional. Reparem como a trilha de Bernard Herrmman é fortemente baseada na ópera "Tristão e Isolda", de Richard Wagner.

Romance é um filme que fica para ser saboreado aos poucos, e ter suas dezenas de referências reconhecidas e aproveitadas. Belo trabalho de Guel Arraes, Jorge Furtado e elenco.

trailer de Romance:


Vertigo, de Alfred Hitchcock:

Ninguém pode saber

Keiko Fukushima chega em casa tarde da noite. Ela está bêbada. Acorda os quatro filhos, um de cada pai diferente, com suas risadas e histórias para contar. Akira, o mais velho, tem 12 anos, mas aparenta ser mais maduro do que a própria mãe. Com calma, ele separa a louça e prepara um chá para todos. Nenhum deles (dois garotos e duas meninas) freqüenta a escola. Com exceção de Akira, que foi apresentado aos senhorios do pequeno prédio de apartamentos onde vivem, nenhuma das outras crianças pode fazer barulho ou ser vista por ninguém. Oficialmente, elas não estão morando lá. Elas chegaram ao apartamento com a mudança, dentro das malas.

"Ninguém pode saber" (Daremo shiranai, 2004), do diretor Hirozaku Kore-eda, é um duro e cruel retrato do abandono infantil. A mãe, apesar de aparentar gostar dos filhos e fazer o possível para cuidar deles, tem o costume de desaparecer por uns tempos por causa de algum namorado novo. "Então eu não posso ser feliz?", ela reclama com o filho, quando este lhe pergunta sobre ir à escola. Uma manhã Akira encontra um bilhete da mãe, dizendo que iria ficar fora por uns tempos. Ela demora um mês para voltar e, logo em seguida, parte novamente, deixando as crianças abandonadas e com pouco dinheiro.

O jovem ator Yuya Yagira, com apenas 14 anos na época, venceu o prêmio de Melhor Ator no Festival de Cannes por seu ótimo retrato do garoto Akira. Na falta da mãe, ele tenta administrar a casa, cuidar dos irmãos e se virar com a falta de dinheiro. Mesmo se levando em conta que as crianças, no Japão, costumam ser mais independentes do que no ocidente, a tarefa é dura demais para um garoto de 12 anos. Kore-eda escreveu o roteiro baseado em uma história real acontecida em Tokyo nos anos 1980. Segundo artigo da Wikipedia, os fatos reais eram ainda mais terríveis do que os mostrados no filme. Um aspecto interessante das filmagens é que elas foram feitas cronologicamente, ao longo de um ano. Assim, as estações do ano e a própria mudança física das crianças foi capturada conforme iam acontecendo. Conforme os meses passam, Akira e os irmãos começam a passar fome e por apuros financeiros. A água e a eletricidade são cortados, e eles não querem pedir ajuda à polícia por medo de serem separados. Aos poucos, eles vão se arriscando mais e passam a sair do apartamento com mais frequência, seja para procurar comida ou lavar as roupas na torneira do parque. Outros personagens acabam aparecendo, como uma garota tímida que, por ser perseguida na escola, não frequenta as aulas e acaba conhecendo os irmãos.

Não é um filme fácil. É longo (duas horas e vinte minutos), lento e, a bem da verdade, cada vez mais deprimente. Tudo isso culminando em uma cena de arrepiar nos arredores de um aeroporto, à noite, com os aviões passando e duas crianças puxando uma mala. Filme disponível em DVD.

Orquestra dos Meninos

Dirigido por Paulo Thiago, "Orquestra dos Meninos" intercala momentos de extrema simplicidade e interpretação quase documental com outros por demais teatrais, quase amadores. Mas, apesar do elenco global entre os papéis principais, há um ar interessante de obra não industrial que que, na maior parte do tempo, é bem vindo.

O roteiro é baseado na história real de um músico pernambucano chamado Mozart Vieira (Murilo Rosa) que, desde criança sonhou em ser músico e conduzir uma orquestra. Influenciado pelo avô, que regia a bandinha local da pequena cidade de São Mariano, no agreste nordestino, Mozart cresce e resolve colocar em prática seus sonhos. Movido por um grande amor à música e muito entusiasmo, ele convence a diretora de uma escola a ceder um espaço para que um pequeno grupo de crianças e adolescentes comece a praticar. Munidos de instrumentos velhos e usados, as crianças começam a aprender Bach, Mozart, Beethoven e Villa-Lobos, e a pegar gosto pela música. Entre as crianças está uma não tão jovem Priscila Fantin, fazendo o que pode para parecer feia e desajeitada, tocando um fagote enorme.

A pequena orquestra de Mozart Vieira começa a fazer tanto sucesso que atrai a atenção de um marketeiro político que a usa para eleger o próximo governador. Em troca, o governador promete construir uma Fundação na cidade e dar instrumentos novos para o grupo de Mozart. Isso acaba atraindo a ira e inveja dos políticos locais, liderados por Moisés (Othon Bastos, com um aviso de "vilão" escrito no rosto desde a primeira cena do filme). Atual prefeito, ele era professor de matemática na mesma escola em que Mozart ensaiava com a orquestra, e vê nele um adversário político. Sem papas na língua, Mozart não quer entrar no jogo de Moisés e acaba conquistando um inimigo perigoso. Um dos garotos da orquestra é seqüestrado, espancado e fica quase cego, e Mozart é acusado de pedofilia e aliciamento de menores.

O filme é melhor quando se concentra na música. Há belas passagens da pequena orquestra interpretando Bach e Villa-Lobos. Mas o roteiro, por vezes, é por demais rasteiro. Há uma personagem feminina, por exemplo, que aparece apenas para gerar ciúme em Priscila Fantin. Um efeito de câmera lenta é usado desnecessariamente, e uma cena de chuva termina com uma declaração de amor não só fora de hora, mas inconseqüente (não vemos resultado nas cenas seguintes). Apesar de certa teatralização, o circo político é plausível e podemos imaginar o que o verdadeiro professor deve ter passado para conquistar o que conseguiu. Nos créditos finais vemos imagens do verdadeiro Mozart Vieira e acompanhamos o destino de muitos de seus músicos, seguidos de uma frase que resume a moral do filme: "o artista só se curva para seu público". Filme irregular, mas bom.

007 - Quantum of Solace

Bond, James Bond. Eu sempre me perguntei a lógica por trás desta frase. Por que um agente secreto sairia declarando seu nome verdadeiro o tempo todo, para todo mundo? Brincadeiras a parte, o espião mais famoso do cinema sobreviveu a seis atores diferentes, vinte e dois filmes oficiais e quarenta e seis anos de história. A ultima encarnação de Bond voltou na forma do ator Daniel Craig, escolha que desagradou muita gente. Loiro, durão e com cara de poucos amigos, Craig estava longe do charme normalmente associado ao personagem, ainda mais quando comparado a seu antecessor, Pierce Brosnan. Mas Craig atendia às demandas dos filmes de ação do século XXI, pós Jason Bourne. A trilogia estrelada por Matt Damon impôs um ritmo e um realismo impressionantes ao gênero dos filmes de ação, o que forçou uma reformulação do próprio James Bond. Foram-se o charme, o ar refinado e os brinquedos tecnológicos, dando lugar a um James Bond muito mais frio, preciso e indestrutível.

Após "Cassino Royale" (2006), o filme de estréia de Daniel Craig, Bond retorna com "Quantum of Solace", a primeira continuação da história do personagem. "Solace" continua a trama desfiada em "Royale", filme em que o primeiro amor de Bond, a bela Vésper Lynd (Eva Green) o traiu e morreu. Bond diz que não está buscando por vingança contra a organização responsável pela morte dela, mas nem sua chefe, M (a grande Judy Dench), acredita nisso. O filme já começa à toda velocidade, com uma perseguição de carros, na Itália, que dá lugar à um grande festival medieval em Siena. Após M quase ser morta por um agente duplo, segue-se outra perseguição ainda mais impressionante, em que Bond persegue o vilão pelos telhados, em uma seqüência que me lembrou muito cenas de "O Ultimato Bourne". Lá estão os pulos impossíveis de um telhado para outro, os vôos entre as janelas dos sobrados, a luta corpo a corpo, tudo.

A trama envolve um vilão chamado Dominic Greene (Mathieu Amalric) que tem uma "empresa" que, segundo ele, promove golpes de estado em países da América do Sul em troca de favores especiais. Tudo isso com o olhar complacente da CIA e, aparentemente, da MI-6 de 007. Greene se esconde por trás de uma fachada ecológica para conseguir apoio para depor o presidente da Bolívia e substituí-lo por um ditador próprio. Bond, seguindo pistas deixadas pelo traidor da MI-6, chega até Greene no Haiti, onde ele conhece a bela Camille (a estonteante Olga Kurylenko). Ela tem planos próprios, que envolvem matar o ditador Boliviano por vingança (ele teria matado a família dela). Assim, além dos olhos bonitos, Bond vê em Camille uma parceira na vingança. Há uma tentativa de humanizar o personagem, que sofre a perda de Vésper e que, agindo por vingança, estaria fora de controle. Mesmo assim, Bond continua o personagem "macho" de sempre, desfrutando de carros possantes, alto estilo de vida e belas mulheres.

"Quantum of Solace" não tem muito a dizer, é verdade. Mas é sem dúvida um filme de ação espetacular, feito em um estilo "cinemão", em largo cinemascope. É visível que rios de dinheiro foram gastos na produção bem cuidada e nos aspectos técnicos. Quanto ao ser humano 007, ele continua o velho Bond, James Bond.

Morreu Michael Crichton

Um post rápido sobre a morte de Michael Crichton. Ele tinha apenas 66 anos e morreu de câncer nesta terça-feira, dia 4 de novembro, em Los Angeles. De formação médica, Crichton fez fortuna escrevendo best sellers que, invariavelmente, iam parar na telona dos cinemas, fazendo ainda mais dinheiro. É dele o livro "Jurassic Park" que, em 1993, se tornou um dos últimos filmes "for fun" de Steven Spielberg (antes de virar diretor "sério" e ganhar seus Oscar). Coincidentemente, estava folheando o livro esses dias. Crichton tinha um estilo de escrita direto, cheio de termos técnicos que davam alguma credibilidade científica a suas fantasias, como recriando dinossauros via DNA pré-histórico no citado Jurassic Park. Ele também se aventurou no cinema, dirigindo filmes como "Westworld" (1973), uma espécie de pré-Jurassic Park (o mesmo tema do parque de diversões em que tudo dá errado), em que Yul Brynner (de Sete Homens e Um Destino), parodiava a si mesmo. Ele interpretava um caubói andróide que se revoltava contra seus criadores e começava a matar os turistas. Crichton também foi o criador da série televisiva E.R., no ar desde 1994.

Mar Adentro

Antes de começar, dois avisos: a resenha a seguir contém opiniões minhas sobre eutanásia. Segundo aviso: caso não tenha visto o filme e não queira saber de detalhes, recomendo que alugue o DVD e depois volte aqui.

Avisos dados, assisti hoje na CPFL Campinas, em 35 mm, a este filme do diretor chileno Alejandro Amenábar. Baseado em fatos reais, trata da história de Ramón Sampedro (o excelente Javier Bardem), um homem divertido, inteligente, capaz de escrever belos poemas e debater arduamente com qualquer pessoa sobre o que acha certo.

Há quase trinta anos Ramón vive em uma cama, na casa de seu irmão mais velho. Quando tinha 19 anos, um mergulho mal calculado no mar resultou em uma vértebra quebrada e na paralisia total dos membros abaixo do pescoço. Ramón acredita que deveria ter morrido naquele acidente e, desde então, tem tentado convencer as autoridades (e qualquer pessoa que queira escutar) a permitirem que ele morra com "dignidade". Ele contata uma associação que promete lutar pelo "direito de escolha", que lhe envia uma bela advogada, Julia (Belém Rueda), para tratar de seu caso. É um tema polêmico e minha opinião é a de que eutanásia poderia ser pensada, no máximo, em algum caso de dor e sofrimento extremos. Mas é complicado ver um homem inteligente e, ironicamente, cheio de "vida" como Ramón lutando tão bravamente para tentar terminar com a própria existência. Como cinema, "Mar Adentro" é um grande filme.

Há de se louvar a decisão de não transformá-lo em um simples panfleto pró (ou anti) eutanásia. É, antes de tudo, um filme sobre grandes pessoas, passando por uma situação difícil e polêmica. Ramón mora com o irmão mais velho (que é totalmente contra as idéias suicidas dele), com a cunhada Manuela (Mabel Rivera), o sobrinho Javi (Tamar Novas) e seu velho pai. Todos tomam conta de uma pequena chácara e cuidam de Ramón. Quando as notícias sobre o pedido dele ao Estado pedindo a eutanásia chegam à imprensa, um padre (também tetraplégico) aparece na televisão e diz que Ramón só está querendo chamar a atenção da família, que não lhe daria amor o suficiente, o que deixa todos revoltados. Há uma seqüência muito bem escrita, e engraçada, em que este padre vai visitar Ramón e os dois têm um debate interessante sobre razão versus religião. E há as mulheres que, cada um a seu modo, são apaixonadas por ele. A primeira é a própria cunhada Manuela, que trata dele como a um filho. A advogada Julia também acaba se apaixonando por ele e, ao descobrirmos que ela tem uma doença degenerativa, ela se torna uma possível aliada em um ato suicida de amor. E há Rosa (Lola Dueñas), uma operária simples, mãe de dois filhos, que vê Ramón na televisão e se torna sua amiga, tentando a todo custo fazer com que ele mude de idéia.

Tecnicamente, o diretor Almenabár constrói várias seqüências muito bem feitas mostrando passagens de tempo e, mais poeticamente, os sonhos e fantasias que Ramón tem ao imaginar que está livre da paralisia. Alejandro Almenabár também assina o roteiro, a edição e, pásmem, a trilha sonora do filme. "Mar Adentro" ganhou o Oscar de Melhor Filme Estrangeiro de 2004.

Programa Vitrine, 18 Anos

Um post televisivo. Ontem, 01 de novembro de 2008, a TV Cultura de São Paulo exibiu um programa especial de 18 anos do Vitrine. Eu sou fã "nerd" da TV Cultura desde criança, quando assistia a programas infantis como "Bambalalão" ou, na adolescência, aos ótimos programas de auditório como "Quem Sabe, Sabe", "É Proibido Colar" e "Enigma". É...saudade da época em que se fazia televisão inteligente. Mas, apesar de uma certa banalização e a lamentável abertura da TV Cultura aos comerciais (assistir propaganda das Casas Bahia, com todo respeito, na TV Cultura, é algo difícil de engolir), a Fundação Padre Anchieta manteve e mantém certa qualidade de programação até os dias de hoje.

Prova disso é o Programa Vitrine, no ar há 18 anos. Sim, eu me lembro do lançamento do programa, ao vivo, com os apresentadores Nelson Araújo (nos últimos anos no Globo Rural) e Maria Antônia Demasi, e assisti a vários programas apresentados depois por Cassia Mello, Leonor Corrêa e Renata Ceribelli. Minhas fases preferidas, porém, foram as apresentadas por Maria Cristina Poli (entre 1994 e 1998) e pelo genial Marcelo Tas (1998 a 2004). Poli deu um ar mais internacional e jornalístico ao programa. Viajou a vários países e me lembro de assistir com interesse a seus programas direto do Japão (em 1998, eu mesmo partiria para lá, onde passei um ano).

Marcelo Tas, já prata da TV Cultura por suas participações e criações nos programas infantis como Rá-Tim-Bum (além de criador e diretor do Telecurso 2000), assumiu o programa em 1998, em pleno surgimento da internet no país. O Vitrine voltou a ser ao vivo, toda quarta feira, "dez e meeeeeeia da noite" (como anunciava Tas) e era muito bom. O programa se tornou cada vez mais interativo, com participação ao vivo de internautas via e-mail, e havia ótimas (e às vezes surpreendentes) entrevistas, como a de Ana Maria Braga. Rodrigo Rodrigues e Fernanda Danelon realizavam as reportagens externas.

Por um tempo o Vitrine passou por alguns problemas (que até hoje não entendi direito, pois fiquei sem acesso a TV Cultura por um tempo). Ele deixou de ser ao vivo e Marcelo Tas fez algumas apresentações do exterior, ou então havia reprises no lugar do programa. Voltei a acompanhar o Vitrine a partir do ano passado, agora sob o comando de Rodrigo Rodrigues e da bela Sabrina Parlatore. O programa, gravado, continua com boas reportagens e ainda é bem superior ao nível médio da televisão brasileira. No programa especial de ontem, todos os ex-apresentadores estavam presentes. Marcelo Tas está fazendo sucesso com o CQC, na TV Bandeirantes. Renata Ceribelli está na Globo. Leonor Corrêa na Record. Maria Cristina Poli, que havia voltado para a Globo, mas já saiu novamente, está produzindo programas independentes.

O site do programa é bastante informativo e é possível, inclusive, assistir a reportagens online desde 2001.

Pai, Filhos & Etc

A CPFL Cultura exibiu nesta quarta feira, em 35mm em seu cinema "Café Filosófico" a comédia dramática "Pais, Filhos & Etc" (Père et fils, 2003), produção franco-canadense dirigida por Michel Boujenah. O filme conta a história de um velho pai, Léo (o ótimo Philippe Noiret), que tem três filhos crescidos. David (Charles Berling), o mais velho, é um empresário bem sucedido mas ocupado demais para cuidar da vida pessoal. Mal visita o pai e está brigado com seu irmão Max (Bruno Putzulu). Os dois se desentenderam e não se falam há cinco anos, para desgosto do pai. E há Simon (Pascal Elbé), que é praticamente um adulto que esqueceu de crescer. O velho sofre um mal estar e vai parar no hospital para exames de rotina, mas ele tem um plano. Quando seus dois filhos mais velhos vão visitá-lo (separadamente), ele conta a cada um deles a mesma mentira: ele estaria com uma grave doença de coração e iria passar por uma arriscada cirurgia em duas semanas. Seu último sonho seria viajar junto com os filhos para o Canadá, "para ver as baleias" (Léo havia acabado de assistir a um documentário sobre isso na TV). Ao mais novo, Simon, Léo diz apenas que a família está saindo de férias.

Assim, os quatro homens partem para o Canadá onde, aos poucos, a convivência forçada faz surgir tanto atritos quanto reconciliações. Philippe Noiret (o eterno projecionista Alfredo, de Cinema Paradiso, que morreu em 2006) está ótimo. Ele usa e abusa da suposta doença para manipular os filhos e tentar reaproximá-los, nem que seja passando uma noite na cadeia. O tema da proximidade da morte como forma de aproximar a família tem sido bastante usado no cinema, com alguns bons resultados. A trama de "Pais, Filhos & Etc" me lembrou um pouco do filme canadense "As Invasões Bárbaras", de Denys Arcand. Mas este é um filme mais leve, que se torna um "road movie" quando os quatro saem em uma viagem de carro atrás de uma suposta curandeira que poderia curar a "doença" de Léo.

O curioso é que quanto mais tempo os irmãos passam juntos, mais próximos eles se tornam, o que significa que o plano do velho está dando certo. O problema é que, na verdade, Léo não foi um pai tão exemplar conforme os filhos estavam crescendo, e em alguns momentos ele é confrontado por eles. O roteiro (de Edmond e Edouard Bensimon) é bom e cria situações interessantes mas, por vezes, é um pouco repetitivo (como nas várias vezes em que alguém descobre a mentira do velho e o enfrenta). E, perto do final, achei que o filme seria mais dramático (ou corajoso), mas o tom leve permanece até o final.

Rebobine, Por Favor

Esta é uma curiosa e nostálgica mistura de filmes de Frank Capra, "Alta Fidelidade", ficção-científica "B" e, para completar, uma pitada de "Cinema Paradiso". O diretor é Michel Gondry, responsável pelo ótimo "Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças", com Jim Carrey, do roteiro de Charlie Kauffmann. O próprio Gondry escreveu "Rebobine, por favor", e o filme parece se passar em algum universo paralelo. Digo, que locadora de filmes, nos dias de hoje, teria apenas fitas VHS em seu acervo? As fitas estão lá por duas razões.

Há uma razão simbólica, talvez até poética. O dono da locadora, o Sr. Fletcher (Danny Glover), é um homem que vive no passado, cheio de histórias para contar, principalmente sobre um obscuro músico de jazz chamado Fats Waller. A outra razão para as fitas existirem é dramática. Filmes em DVD não podem ser apagados, ao contrário das VHS, que podem sofrer alterações se influenciadas por um forte campo magnético. Jerry (o sempre entusiasmado Jack Black, de "Alta Fidelidade" e "Escola do Rock"), após tentar sabotar um gerador elétrico (que estaria "manipulando seu cérebro"), sofre uma grande descarga elétrica e se torna magnetizado. Ao entrar na loja, seu campo magnético apaga todo o acervo da locadora. Para despistar os clientes, ele e o atendente da locadora (Mos Def) resolvem regravar os filmes em versões "condensadas", no estilo faça você mesmo. Há cenas engraçadas dos dois tentando refazer "Os Caça-Fantasmas" usando uma velha câmera de video, efeitos especiais de terceira categoria e muita imaginação. O que eles não poderiam prever é que a versão se torna um sucesso, e logo a vizinhança começa a frequentar a locadora em busca de outras versões "condensadas". Com a ajuda de um garota, os três então começam a recriar desde filmes de ação como "A Hora do Rush 2" até clássicos como "2001 - Uma Odisséia no Espaço".

O filme é interessante mas, em minha opinião, o resultado não é tão bom e criativo quanto seu argumento. Creio que seria um filme melhor se assumisse de vez seu lado "trash" ao invés de tentar ser também nostálgico e dramático. Danny Glover, a bem da verdade, com suas histórias sobre o músico de jazz e recordações do passado, me pareceu estar no caminho de Jack Black e do tema real do filme, que é a criação cinematográfica amadora e o puro prazer de filmar. De qualquer modo, tudo acaba levando a um final um pouco açucarado que, como disse, me lembrou um pouco Cinema Paradiso (mesmo que em versão VHS). Mas é um filme simpático, com bom elenco que conta com participações de Mia Farrow e Sigourney Weaver.

ps: não teria sido realmente genial se eles convencessem a personagem de Sigourney Weaver a fazer um papel em "Os Caça-Fantasmas"?

ps2: Michel Gondry vai estar no Brasil e fará workshops em que os participantes poderão criar seus próprios filmes. Veja aqui.

Última Parada 174

O desfecho de "Última Parada 174" todo mundo já conhece. Em julho de 2000, com toda a imprensa acompanhando ao vivo, um jovem chamado Sandro Nascimento estava dentro de um ônibus da linha 174. Ele estava de revólver em punho e mantinha vários reféns. Após horas de negociações, e já fora do ônibus, um policial do Bope tentou atirar nele, errou o alvo e matou a refém que Sandro segurava. A refém morreu e Sandro, levado a uma viatura, morreu oficialmente por "asfixia". O caso interessou o cineasta José Padilha, que realizou um bom documentário, "Ônibus 174". Mais tarde, Padilha resolveu mostrar o outro lado da moeda e quis fazer um filme sob o ponto de vista dos policiais. O resultado foi o polêmico "Tropa de Elite".

Parecia que nada mais poderia ser feito a partir desta história, mas Bruno Barreto, diretor brasileiro que há anos estava radicado nos Estados Unidos, resolveu fazer um filme de ficção baseado no episódio. O resultado é interessante. O foco do filme, curiosamente, não é o sequestro nem o final trágico, mas sim a história da vida de Sandro (Michel Gomes) e de um outro rapaz da mesma idade e um nome parecido, Alessandro (Marcello Melo Jr), que foi tirado da mãe quando bebê e criado pelo pai traficante. Sandro vê a mãe ser assassinada por um assaltante e vai morar com uma tia. Mas ele não consegue se adaptar à família e se torna um morador de rua. Ele passa seus dias cheirando cola e praticando pequenos delitos no Rio de Janeiro. Em um lance de sorte, ele escapa da famosa chacina da Candelária, quando vários menores de rua foram assassinados a sangue frio. O destino faz com que ele seja enviado para a mesma prisão em que Alessandro está, e os dois formam uma aliança.

O filme acompanha também a vida de Marisa, a mãe de Alessandro, que nunca se esqueceu do filho que lhe foi tirado das mãos pelo pai traficante. Ela se torna evangélica e, ao assistir uma matéria na televisão sobre a Candelária, acredita ter achado seu filho. O roteiro faz um jogo interessante entre estes dois adolescentes que perderam a mãe e esta mulher em busca do filho (ou de uma figura que possa substituí-lo). O espectador sabe que o filho verdadeiro de Marisa é Alessandro, mas ela acredita que seu filho é Sandro que, precisando de um lugar para ficar (e de uma mãe), acaba se passando por filho dela.

Tudo isso já daria um filme bastante interessante e, a bem da verdade, você até se esquece do sequestro até perto do final, quando Sandro, rejeitado pelo amigo, pela namorada e pela mãe adotiva, gasta seu dinheiro em cocaína e vai parar dentro do Ônibus 174. A polícia é avisada por um passageiro que há um homem armado dentro do ônibus e o cerco é levantado. O resto já é de conhecimento geral, mas Bruno Barreto não se preocupou em ser muito fiel aos eventos reais. Há um detalhe no elenco que me desagradou. Interpretando o negociador do Bope que tenta tirar Sandro do ônibus está ninguém menos que André Ramiro, o ator que interpretou o policial Matias em "Tropa de Elite". Vestindo o uniforme negro com a caveira, Ramiro parece literalmente saído do outro filme para aparecer neste, e o resultado é confuso. Seria uma piada de Bruno Barreto? Ou uma crítica ao resultado da operação?

Também não deixa de ser irônica (e trágica) a coincidência de que o lançamento de "Última Parada 174" se deu apenas alguns dias depois do final de outro sequestro que mexeu com a opinião pública e que resultou na morte de uma refém, em Santo André, São Paulo. Não tenho a menor dúvida de que, em pouco tempo, teremos um filme a respeito. "Última Parada 174" foi o escolhido brasileiro para tentar concorrer ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro no ano que vem, em Los Angeles. O roteiro é do craque Bráulio Mantovani (Cidade de Deus), a fotografia do francês Antoine Heberlé e a bela trilha sonora é de Marcelo Zarvos.

O Açougueiro (1970)

Com o bom "Uma Garota Dividida em Dois" ainda nos cinemas, decidi assistir a alguns filmes mais antigos do mestre francês Claude Chabrol. Ele foi um dos jovens franceses da geração da nouvelle vague, cineastas que tinham formação original de críticos de cinema e se tornaram autores cinematográficos, como François Truffaut. Chabrol (assim como Truffaut), viu no inglês radicado nos Estados Unidos, Alfred Hitchcock, um gênio do cinema (na época, Hitch ainda era considerado um diretor "menor" nos EUA). Tanto Chabrol quanto Truffaut escreveriam verdadeiras teses sobre o mestre do suspense inglês, e Chabrol viria a ser, à moda francesa, um de seus seguidores.

O Açougueiro (Le Boucher, 1970) tem vários dos elementos hitchcockianos do suspense. Em uma pequena cidade do interior da França, uma bela mulher (loira e fria como as de Hitchcock), chamada Helene (Stéphane Audran) é professora e diretora de uma escola para crianças.

Um ex-soldado, o açougueiro Popaul (Jean Yanne) a conhece em uma festa de casamento que abre o filme. É curioso como a festa é filmada de modo quase documental, com muito uso de "zoom" e enquadramentos "desleixados". Quando Popaul e Helene saem da festa, o filme se torna meticulosamente filmado e enquadrado. Um longo plano contínuo acompanha o casal da festa até a casa da moça, que fica na própria escola. O suspense vai sendo criado aos poucos, nem tanto pelo que acontece na tela, mas sim fora dela. Uma garota é brutalmente assassinada em um bosque da cidade, mas Chabrol não mostra nem o crime nem o corpo. Apenas ficamos sabendo do fato por causa de uma conversa entre duas crianças, alunos de Helene, e pela presença da polícia correndo pela cidade.

Não é muito difícil saber quem é o assassino, mas esta não é a questão. Hitchcock já ensinava que suspense é diferente de surpresa. Em um filme em que se tem que descobrir o assassino geralmente há uma surpresa, algum acontecimento que ninguém esperava e que acaba revelando a identidade do criminoso. Suspense se cria quando o espectador já sabe de alguma coisa, mas não pode fazer nada. Uma bomba que explode de repente é surpresa. Saber que há uma bomba em um quarto, e imaginar se ela vai explodir ou não, é suspense. A relação entre a professora Helene e o açougueiro Popaul é claramente uma bomba esperando para explodir. Os dois passam a se ver com frequência, mas o caso não passa de amizade por causa de Helene. Em uma conversa no bosque (o mesmo em que foi encontrado o corpo, provavelmente) ela lhe diz que teve um grande amor no passado e que não quer sofrer novamente. Isso não impede que ela o convide para jantar, ou ao cinema.

É a própria Helene quem encontra o segundo corpo, durante uma excursão com suas crianças. Ela também encontra algo que pode indicar a identidade do assassino mas, curiosamente, ela não passa a informação para a polícia. As cenas finais são do mais puro suspense. Sozinha na escola, à noite, Helene vai fechando todas as portas e janelas do lugar em um ótimo jogo de luz e sombra, até o confronto final. A única coisa a se lamentar no filme é a trilha sonora, composta por uma série de sons dissonantes e claramente datados, típicos do final dos anos 1960. De resto, um belo trabalho do diretor francês, fazendo grande suspense e ótimo cinema.

Caos Calmo

Pietro Paladini (Nanni Moretti) é um executivo de uma grande empresa. Um dia ele está na praia com o irmão e escuta um pedido de socorro. Os dois correm para a água e salvam duas mulheres de morrer afogadas. Justo neste momento heróico, Pietro é atingido por uma tragédia; ao retornar para casa, sua esposa está morta, caída no jardim. A filha pequena, chorando, se joga em seus braços. Ele a abraça e fica olhando o corpo da esposa.

"Caos Calmo" é dirigito por Antonello Grimaldi e é uma boa mistura de drama e de comédia. O filme foi escrito por Moretti, que também é diretor de cinema (ele foi um dos diretores da coletânea de curtas "Cada um com seu Cinema", exibido em Cannes), baseado em um livro de Sandro Veronesi. Com a morte da esposa, Pietro tem que cuidar da filha Cláudia (a ótima Blu Di Martino) e lidar com um problema no escritório. Sua firma está à beira de uma fusão com um gigante americano e toda a empresa está fervendo com boatos e fofocas. A resposta de Pietro a todo este caos é inusitada. Um dia ele leva a filha à escola e diz: "eu vou ficar aqui até você sair". Ele não só cumpre sua palavra naquele dia, como passa a ficar todos os dias em frente à escola da filha. No início achamos que ele perdeu o juízo, mas a atitude de Pietro acaba resultando em uma manobra muito mais inteligente do que ele próprio imaginaria. Longe do caos do escritório e evitando ficar sozinho em casa, Pietro passa seus dias caminhando pela praça em frente à escola e a observar a região. Com o passar dos dias, certos padrões começam a se repetir: há um garoto que passa todos os dias no mesmo horário, que dá risada quando Pietro aciona o alarme de seu carro; há uma linda moça (Kasia Smutniak) que leva o cachorro para passear e que troca olhares com Pietro; a mãe de uma das amiguinhas de sua filha conversa com ele praticamente todos os dias, com um interesse cada vez maior, e assim por diante.

Os executivos da firma, ao invés de demitirem Pietro por não estar comparecendo ao escritório, começam a achar que ele tem alguma estratégia milagrosa para salvar a empresa ou para aconselhar suas carreiras. Aos poucos, um a um vai até a praça para conversar com Pietro e pedir sua opinião sobre alguma coisa. Pietro raramente fala alguma coisa, mas sua calma e serenidade servem para satisfazer as pessoas que vem até ele. Mas como será que ele está encarando, na verdade, sua situação? Ele não sente falta da ex-esposa? Ele não está preocupado com a fusão pela qual está passando sua empresa? E a mulher que ele salvou na praia, é apenas uma desconhecida ou ela vai ter algum papel importante nessa história?

Em sua simplicidade, o filme é muito inteligente e engraçado. Nanni Moretti carrega o filme nas costas, e seu pergonagem é interessante e divertido. Enquanto espera a filha sair da escola, ele tem o hábito de fazer listas inúteis, como o nome de todas as companhias aéreas pelas quais ele já voou, ou o endereço de todos os lugares em que já morou. A esposa morta se revela um enigma, alguém que, na verdade, ele realmente não conhecia. Será que ele a amava de verdade? Por que nem ele, nem a filha, choram sua perda? E há os personagens secundários. A bela Valeria Golino interpreta Marta, sua cunhada, uma mulher passional por quem ele teria sido apaixonado um dia. De vez em quando ela vai visitá-lo na praça com algum problema emocional sério e desabafa. Há também seu irmão, Carlo (Alessandro Gassman), que tem uma marca de calça jeans e é considerado um "galã" pelas mulheres. O espectador fica esperando por certos clichês que fatalmente existiriam em um drama americano, mas não é este tipo de filme. E há uma cena de sexo que gerou muita polêmica, e tenho que admitir que ela é desnecessariamente gráfica e longa em um filme que, até ali, tinha sido "censura livre". "Caos Calmo" é um filme inteligente, divertido e gostoso de assistir. Destaque para a participação especial, no final, de ninguém menos que o diretor Roman Polanski, em uma ponta.

Visto no Cine Jaraguá, em Campinas.

Nas filmagens de "Jean Charles"

Neste final de semana visitei o set de filmagem do filme "Jean Charles" (título provisório), que tem parte de sua cenas filmadas na cidade de Paulínia, interior de São Paulo. Soube que estavam procurando por centenas de figurantes para uma cena passada no velório de Jean Charles, filmado em uma igreja do bairro Betel, Paulínia, sábado passado. Segundo informações obtidas com a produção, por volta de 500 figurantes compareceram às filmagens, que começaram no sábado (11/10) e vão até quinta feira agora. Estavam presentes no set os atores Daniel Oliveira, Vanessa Giácomo e Luiz Miranda. Dirigido por Henrique Goldman, o filme trata do caso trágico do imigrante brasileiro morto pela polícia em 2005, na Inglaterra, ao ser confundido com um terrorista. Selton Mello (sempre ele) interpreta o papel principal, mas ele não estava presente a estas filmagens. Suas cenas já foram filmadas na Inglaterra. O filme é uma co-produção entre a Inglaterra e o Brasil e, de fato, parte da equipe presente a Paulínia sábado era britânica. Segundo o site imdb.com, Stephen Frears ("Alta Fidelidade", "Ligações Perigosas") é um dos co-produtores.

Havia realmente centenas de figurantes dentro da igreja quando cheguei. De frente para o altar, um caixão cenográfico representava o corpo do brasileiro morto. Acompanhei a filmagem de algumas cenas e, em uma delas, fui um jornalista figurante que, munido de um gravador, tenta obter um depoimento da mãe de Jean Charles, quando esta se debruça sobre o caixão, chorando. A imprensa, representada tanto por figurantes quanto por jornalistas reais presentes à filmagem, cercou os personagens vividos por Daniel Oliveira e pelos pais de Jean Charles. O diretor gritou "ação" e foi um grande empurra-empurra. Foi também filmada a cena em que o padre faz um sermão em homenagem ao morto. A direção de fotografia era bem simples e, aparentemente, semi-documental. Não havia refletores ou rebatedores; tudo estava sendo filmado com luz natural. Os planos eram todos feitos em tripé, de forma bem tradicional. Havia uma segunda unidade gravando tudo em digital, não sei se estas imagens também serão incorporadas ao filme ou se era apenas uma equipe de making of.

U23D

Durante a canção hino "Sunday Bloody Sunday", Bono olha para você, estica a mão enquanto canta "Wipe your tears away...wipe your tears away..." e parece que, se você estender a mão, poderá tocá-lo. Este é o efeito provocado pela espetacular tecnologia 3D empregado na produção deste show. Uma equipe da National Geographic, munida de câmeras especiais, documentou a turnê "Vertigo", em 2006, durante sua passagem pela América Latina e Austrália. O resultado, diziam, seria quase tão bom quanto presenciar pessoalmente um show da banda. Na verdade, em termos de visão de palco, é melhor. As cenas gravadas do ponto de vista da platéia são, de fato, impressionantes em seu realismo. As pessoas "na sua frente" levantam as mãos e, instintivamente, você desvia a cabeça para tentar ver melhor. A vantagem sobre estar lá é que as câmeras gravam o show sob diversos ângulos e perto o suficiente para parecer que você vai levar um golpe da guitarra de The Edge quando ele está tocando.

Filmes em 3D não são novidade. Experimentos em três dimensões datam do início da história do cinema, e a tecnologia vem sendo desenvolvida e usada nos cinemas há décadas, principalmente em filmes de aventura, em que objetos parecem ser jogados em direção da platéia. O ponto fraco sempre foi o uso de óculos coloridos desconfortáveis e que nem sempre produziam o efeito desejado. A produção é mais cara tanto do ponto de vista da filmagem quando da exibição, e o processo nunca vingou realmente. U23D foi produzido utilizando um processo digital criado pela empresa 3ality Digital, que gravou diversos concertos durante todo o ano de 2006, sob a direção de Catherine Owens e Mark Pellington. A platéia ainda tem que usar óculos especiais, mas eles são leves e com uma lente especial (não colorida) que transforma a imagem da tela em 3D. Outra aspecto técnico que me impressionou foram os efeitos de pós produção e o uso, em 3D, de gráficos e frases que literalmente saltam da tela. Há um momento em que Bono finge desenhar uma TV no ar, com o dedo, e um gráfico em 3D aparece conforme ele desenha.

Isso não passaria apenas de um exercício técnico interessante se não fosse pelo conteúdo do filme. A banda irlandesa U2 sempre chamou a atenção tanto pelos aspectos musicais quanto por seu lado militante. É certamente uma das bandas mais bem sucedidas, constantes e duradouras da história do rock. A bateria de Larry Mullen Jr e o baixo de Adam Clayton mantém o ritmo para as viagens sonoras da guitarra de The Edge e a performance sempre apaixonada de Bono, que parece cantar como se fosse seu último show. Os críticos têm certa razão em reclamar de certa teatralidade ou megalomania, mas quantas bandas "pop" dos últimos vinte anos têm a energia do U2 no palco? O show, composto por 14 músicas, passa por sucessos recentes e revisita os clássicos que marcaram a história do grupo, principalmente no que considero seu auge, o lançamento do álbum "The Joshua Tree" (com músicas como "Where the streets have no name", "With or without you" e "Bullet the blue sky"), e anteriores, como "New year´s day", "Pride (In the name of love)" e "Sunday Bloody Sunday". A seleção de músicas para o filme foi feita levando-se em conta a popularidade das canções, mas há boa continuidade entre elas. Há até o que se poderia chamar de um "bloco político" composto pela sequência "Sunday Bloody Sunday", "Bullet the Blue Sky", "Miss Sarayevo" (com uma leitura da Declaração dos Direitos Humanos) e "Pride".

O filme pode também ser visto em Campinas agora que foi inaugurada uma sala 3D no Box Cinemas. A sala é pequena e durante a primeira exibição de ontem havia poucas pessoas, que ao final comentaram que o som poderia ter sido um pouco mais alto (para simular melhor ainda a sensação de um show ao vivo). Mas é uma ótima experiência tanto para fãs da banda quanto para de música em geral. Não me interesso muito na tecnologia 3D aplicada a filmes de ficção "normais" (que já têm uma sintaxe e técnica desenvolvidas por mais de um século de cinema), mas creio que o 3D seja realmente ótimo para apresentação de shows e eventos como este.

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